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为什么没有人拿自己的身高开玩笑？是因为他们努力自律，打磨演技。我热爱演艺事业，低调不炒作，为观众呈现好的作品，所以观众不会谈身高。

但稀里糊涂地把自己描述成一个败家子，一个月薪1000元，租房500元的败家子。

两人在节目中都难掩疲惫。

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倪匡是超级小说家，一个小时能写八千字。他对90年代的童年记忆是《六指琴魔》和《卫斯理》。他最大的爱好是喝酒。

从这个规律的意义可以看出，心态的调整对于初入组织的人，尤其是那些从象牙塔里走出来的大学生，是非常重要的。但是有很多刚毕业的大学生或者研究生放不下自己的身份，做自己不想做的小事，受不了做小事的平凡或者平庸，所以态度消极，想换工作。这是现代年轻人的坏习惯。

个人专业特点：身体敏捷、技术全能、盘带华丽秒，迭戈马拉多纳

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你怎么决定写什么?你一般是被分配任务而写作还是自己决定写作话题?如果是自己挑选话题，你怎么决定什么内容是值得写?我经常听说杂志会让他们的展评人对某些展览和广告商的展览笔下留情，或是如果他们要写关于那些展览负面的评论的话干脆就不要写。因为他们害怕会丢掉广告收入。《艺术论坛》杂志 (Artforum) 的作者跟我说过情况真的是这样。我并不怀疑他们的说法，但是在我的整个写作生涯里，没有任何杂志告诉我要为了不让广告商难堪而后退。听上去你好像在暗指关于艺术批评背后更大的问题。更大的问题是因为，我们几乎只会看到无处不在的正面展览评价，或很多无聊的基本描述性文字。要不就是用看不懂的学术术语写了一堆，但当你试图寻找一个有关作者观点的词时，却只在倒数第二段找到一个类似“问题化”的词。然后你问自己说，“等一下!所以这个词是在说这作品是好还是不好?这到底是什么意思?”所有这些加起来的前提是，你得知道你所在读的每一篇展评完全是作者自己所想要写的。他们并没有被警告或是被禁止不能发表自己的观点。只是他们自己退缩了。我们需要对任何说“我也不想这么做，是我的编辑让我退让的”的人说：“扯淡!”或是告诉他们“永远不要为了钱而做事”。我认为对艺术保持批评的态度是对艺术表示尊重的方式。所以我们眼下的状况是怎样的?我认为我们已经丢失了三代艺术评论家。人们把学术化当成了艺术评论。写作者们的观点拘谨易变。他们害怕，只会追随已经被认可的品位路线。他们被蛊惑认为有客观性这回事。并且只为有可能会施舍一份工作的极少数机构主义雇员观众而写作。也可能我只是在试图让自己理清为什么从来没有人给我一份终身教职，或是一份全职的教书工作吧。 我觉得现在艺评人的这种善变和狭隘也是之所以老一辈像我这样的评论家至今还能有容身之地的部分原因。有些老评论家已经过了他们的写作使用年限，他们的品位变得保守，或只是强硬地为他们最钟爱的70年代或80年代的艺术家辩护，告诉我们所有新生的事物都是糟糕的。不过，对于我对马修巴尼作品的热爱应该也属于这一类吧。但是艺术总会找到某种新生的方式。在艺术批评领域也是一样。网络作者，博客和很多其他的通道的评论正在改变这些局面。终于。这在为艺术世界带来新的生命。无论这些网站是因为什么样的原因而存在，似乎他们都能明白：正因为批评领域无利可图，批评家们也就没什么可失去的。他们可以写他们想写的任何东西，而不只是中立的或无谓的赘述。正是这些让评论再次变得富有活力。你觉得你对于读者来说扮演着一个怎样的角色?是为了教育?说服?还是关爱?你在写作时脑子里会想着一类具体的读者人群吗?我从来不会问艺术家他们的作品是什么意思。我想要写我认为作品可能是什么意思。我想要用像其他所有人一样的方式接近作品：不需要内部信息或提示条。我很喜欢清单。我想要知道标题，创作时间，尺寸和大多数其他的材料。谁是你过去和/或现在的偶像典范?有哪些人当下在艺术批评领域的写作让你觉得特别激动人心的吗?不要问我，我是偏心的。我觉得我太太是有史以来最棒的艺术评论家之一。给她颁个麦克阿瑟奖吧(译者注：Saltz的太太Roberta Smith是《纽约时报》的艺术评论家)。我也很喜欢在网上混杂的阅读，很多长而乏味的文章消失了，讥诮和犬儒主义还在。我真得很喜欢我从年轻艺评人身上看到的轻松活泼，积进，激烈和智慧。不过我真的不是适合回答这个问题的人。我连读Twitter(美国微博)的时间都没有。我很喜欢《艺术论坛》，当它每个月被寄来的时候我都有点害怕。我坐下来开始翻看新的一期。我对每一期里有成千上万的广告没有问题。艺术圈很爱这些广告。这是一个非常好的为谁又有展览，谁又没展览感到沮丧;意识到拥有权势力的人有多强大，并诅咒拉里(注：高古轩画廊老板)和豪瑟与沃斯画廊还有其他死星的好地方。那些广告是我们的色情片。当我终于翻到文章部分的时候，我很努力地读，但是什么有价值的内容也读不出来，或是没法猜测作者到底说了什么。有时候根本搞不清他们到底写的是关于什么，因为很多文章花了一两页才终于提到艺术家的名字!我无比崇拜那些作者，又被吓到又印象深刻。我不想要一个没有这些偶然性的艺术世界。而我在他们这些被完美调过音的乐器旁边就像一个钟琴一样。难怪《艺术论坛》从来没找我给他们写过文章! 你认为现在当代艺术中最重要的趋势是什么?对我来说，所有的艺术都是当代的，从洞穴绘画一直到现在。它们都同时在各处存在发生。我认为我们当下的目的论式艺术史系统是基于进步和发展的，艺术主要被通过技术，工具等因素来衡量是否“向前进步”。这样的一个系统已经死亡了，只是它自己还不知道。我有些怨恨世界上最好的博物馆，大都会博物馆，会像所有其他的美术馆一样觉得它需要开始收藏当代艺术。目前看来，这非常前途未卜。为什么为什么为什么会变成这样!?大都会比谁都有钱。它只要跟每位董事要几件新艺术作品就可以组建一个硕大的收藏。但它并没有必要为此再去另辟一整栋楼!那些时间和精力还有金钱本可以用来收藏更多前50世纪的艺术。不管怎么说，艺术史需要让更多的人进来。现在立刻马上。不仅是让那些自称艺术家，做些基于已经被艺术和艺术史认可的东西并称之为艺术的人。有很多人是艺术家，只是他们自己不知道，还有很多人以为他们是艺术家但其实真不是。惠特妮美术馆开始意识到了这一点，而又不会看上去像人类学家一样为了完成指标，勾选方框。40年代和50年代的时候有很多值得研究和发现的。真不用纠结在美国和西欧的“平面化”和抽象里。外行，怪胎，来自世界各地的艺术家，女性!惠特妮美术馆的《不易见到的美国》展览证明了各种不同的狭隘和糟糕的抽象派画家可以告诉我们很多问题。无需赘言，当各种肤色的艺术家和女性开始在艺术中变得更具主导地位的时候，也是我们宣告绘画已经死亡的时候。就像所有这些学术派们正是宣告事物死亡的殡仪一样。这是个僵化的系统。是时候来和它对着干了。来源：中国艺术批评

何心郎与父亲的相遇再用韵答

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位于华盛顿的美国国家建筑博物馆今夏创造了一种消夏新模式——推出了由大大小小30多块“冰山”组成的冰川景观。这个美丽的海地冰川世界跨越了整个博物馆大厅，作为充满创造性的博物馆夏季派对的一部分，装置作品《冰山》于7月2日至9月5日向公众开放。细看“冰山”是用透明可重复使用的绿色建筑住宅材料聚碳酸酯板组成的五面体和八面体，有五米至十七米高，而海则是一个蓝色的大网。“冰”有的在地面，有的甚至悬挂在天花板上，作品总面积约12540平方英尺(1165平方米)。《冰山》这件作品由致力于城市设计、景观建筑和公共环境的James Corner Field公司设计完成，公司总部位于纽约。其著名的建筑作品有纽约的高铁和圣塔莫尼卡的Tongva公园的设计。James Corner Field公司此次是第二次受邀国家建筑博物馆，去年曾在馆内打造了热门的海滨装置，两个月内共吸引了18万观众前来体验。“这个美丽的海底世界，不禁让人联想到当前的气候变化、海平面上升”，James Corner Field?公司总监James Corner介绍说。“冰山与华盛顿夏季的酷热相对立，”国家建筑博物馆的执行总监?Chase W. Rynd表示，“我们希望冰山这件引人注目的设计能带来关于设计和景观复杂关系的严肃认真讨论，同时为各年龄段的观众带来惊奇。”观众不仅能在《冰山》装置中活动放松心情，品尝日本kakigori Daikaya餐厅提供的特色小吃，还能体验到集建筑、设计和环境一体的独特教育项目。据悉，此次展览票价为成人16美元，未成年人、学生和老人13美元，票价包含博物馆内同期展览费用。来源：99艺术网国际频道 郭逊博编译

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